无限的网－－－访问草间弥生
访问者：杨佴旻
被访人：草间弥生
时 间：2005年夏天
地 点：东京草间弥生工作室
问∶做艺术有多种方式，你的表现形式也很多样，请问你是怎样选择表现手段的？
答∶关与这个问题，如果做自我评价那要谈得很多，需要很长的时间，请看看我的自传或是其他评论吧。
问∶艺术所承载的内容越多，对艺术自身的伤害也越重，你是如何看待和把握这些的？
答∶艺术要体现对社会，对人类的关怀，就要赋予艺术更多的内涵。
问∶你对当代中国的艺术了解吗，有什么看法？
答∶中国的现代艺术界里有很多精彩画家，艺术家。我对中国的当代艺术很期待。我想蔡国强的作品就很好。
问∶你希望到中国展出你的作品吗？
答∶我对中国的艺坛还比较陌生，这个问题我还没有没想过。
问∶希望你能通过我们的杂志谈一些你对当代艺术的看法，对中国的艺术家说几句话。
答∶中国有古老而优秀的传统艺术，它曾经对日本甚至世界都产生了很大的影响。在当今，现代美术此伏彼起，在欧洲、美国、日本等，当代艺术家开辟了很多的艺术新形式。凭辑我对中国当代艺术不够全面的一点了解，我想，中国的当代艺术还相对处于一种“模仿”的状态，这话说出来可能并不可爱，不过我想，象中国那么一个历史悠远，人才众多的国家，不但对过去，也应该对现代贡献更多。因此，我想请中国的艺术家，要更加干劲十足、信心十足地创作，其艺术面对的不但是自己的国家，也应该是世界艺坛——去挑战世界。希望今后，中国的艺术、艺术家，向世界、向日本展示发表更多具有时代性，创造性的艺术。为增进各种文化艺术的交流、加深国家与国家，人与人之间的信赖关系，为了人类的和平做出更大贡献。
问∶艺术家往往只是把自己的思想溶入到了作品当中，而达利和你是把整个的身体也变成了作品的一部分。最初你是出于什么考虑，进而达到完善的呢？
答∶我从小在看物品时就一直会产生幻觉，感觉物体周围是迷离发光的，我就开始写生，画一些密集的小圆点，那是基于对事物想象的开始；有一天我座在椅子上看着红色桌布上的纹理、花色，并开始寻找我的周围是不是还有同样的纹理，从窗户、墙壁、天花板到房间的每一个角落，到我的身体。在寻找得过程当中，感觉自己被逐渐的侵蚀、陨灭，时间与空间不停的旋转着，自我变的微不足道。就在那一刹那间，我意识到这并非只是一种幻觉，也是现实生活的一种存在，我被这真实的幻觉给吓坏了，我对红色桌布和上面的纹理产生了强烈的恐惧……我夺路而逃，台阶却在我脚下散落，我从台阶上摔了下来，手和脚腕都被跌伤了；世间万无都是一个圆点，它是最基本的元素，地球是千万个圆点当中的一个，这当然也包括我的身体。因此，不但思想，身体也就成了进行创作的一部分。
问∶做为女艺术家，你的作品的扩张力已经超越了人们的想象范畴，在这方面你是怎么做的？
答∶一直以来，我一直要求自己去关注前沿的事物，让自己在改变革命中前进，为了建立一个新的时代、新的流向而斗争着。不但现在，我也会在以后的几十年里继续让自己的创造更具扩张性，深邃创作思想，还将继续着艺术前沿的、蓬勃生气的、新气象的斗争。
问∶你的作品从上个世纪六十年代在纽约的行为艺术开始，所涉猎的有绘画、雕塑、拼贴、装置、小说等，你的创作热情之高，所涉猎的范围之广在艺术领域是少见的，你一般是处于一个什么样的创作状态之中，这些不同的艺术门类在创作时会相互矛盾吗？
答∶我10岁时生病，导致了我的视听产生幻觉，曾几度想自杀。后来去了美国，当时正值前卫主义时期，在那里我做过很多艺术活动。后来我回到了日本，开始网状和圆点等为基本形态的创作，为了表现和传达自己思想意识里涌现出来的观念，是不能限定绘画、雕塑或者诗歌等创作手法的，为了更加准确的表现我的创作思想，其结果，就是我的创作手段逐步扩展，或是穿插了各种表现形式。不论是美术、诗歌，电影、出版，只要是有益于扩展和辅助我的表现领域的，我是不受形式媒才限制的；我真诚的希望和感谢大家的支持与协助，我用我的语言表现社会，为了社会的和平与友爱。
问∶你的作品充溢着很多神秘的东西，这和东方的传统文化是一个什么关系？
答∶作为一个东方艺术家，作品或多或少的都会受到东方文化的影响。我创作了大量以网状为基本特征的作品，网的本身结构是极富神秘感的，它象征了生命的无限广袤和不可预知性。分与聚，增与减，在它们当中蕴含着经验与感知以及不可言及的神秘……
《跟我说话》是我非常喜欢的一首歌，我经常弹着琴哼唱它：拆去幻想之门／在痛苦的花儿中／开始不会终结／在天堂的路上／我心沉陷于温情／向着长天呐喊／它蔚蓝的影／变得通透／拥抱着幻觉／阴暗云影升／泪水淹没了玫瑰的颜色／我化为了石头／不在永恒的时间里／而在蒸发的瞬间中
执笔∶林青
编辑∶杨帆
激進的意念--Alexandra Munroe
國際上對於草間彌生作品之認定--涵蓋五十年來的水彩、拼貼、繪畫、雕塑、環境藝術及活動--是最近幾年當代藝術史上的事情。在長期被認為是精神異常的放逐者之後，草間彌生現在被視為日本現存最偉大的藝術家。1966年，她以一件戶外裝置作品參加第33屆威尼斯雙年展：1500個玻璃球鋪設在草坪上，她光腳穿著一套金色的和服，朝向空中拋球。日本當局認為她破壞了這項展覽。然而到了1993年，日本政府在威尼斯雙年展中設立一個主題館，以表示對她的尊崇。於是，她成為第一位單獨代表日本參加威尼斯雙年展的女性藝術家。想要顛覆長久以來食古不化之日本藝術制度的年輕一輩，如今視草間為典範。她大膽的表現，總是傳達出存在於其激進意念中的浪漫精神。
那些仍然記得她在曼哈頓所呈現之前衛藝術的人們，視草間的重返國際舞台為一項奇蹟式的復活。許多人認為，她在1972年遷居回日本後便失蹤了。或許正因為她是一位藝術家中的藝術家，草間經常逃避現實世界。儘管享有名氣(1968年時，她獲得的媒體注視遠超過安迪‧沃荷)，草間離開紐約的評論家、經紀人、及收藏家回到東京，於1977年自願住進精神療養院。
紐約時報評論家Roberta Smith曾經如此評論草間後期作品：
太多的畫作飽受完美技巧之苦；各種圓點圖案鮮明而且賦與一種愉悅的視覺感受，但是一般的印象是過於機械化…草間女士早期作品中，色彩、符號、及間隔的波浪狀變化是令人懷念的。
Smith女士並未提到草間近作中，精心創造的紛亂圖案及蓬勃的生氣。那些以壓克力顏料完成的作品，第一眼看來並不如她早期作品般具「畫相」，然而它們尺寸之大以及極端重複、纏繞的構圖，並未稍減熱情。同時，斷言她的技巧呈現「機械化」是錯誤的。構成叢林般幻覺的那些無止境的圓點，是先以鉛筆打底，再親手一筆一筆填滿的。草間近作中鮮豔的平面圖案可能是詭詐的；時間一久，它們即可將你催眠進入她迷人的藝術裡--人們所熟悉的黑暗、暈眩深淵之中。透過賦與她荒誕的幻想一個明確的形式，草間再一次證明，創造力足以戰勝自我的退化。
本来只想回个贴的，但越写越长，就贴在这儿吧。
http://www.huabook.com/space.php?uid=1&do=thread&id=26054
我总说，偏执产生艺术，只要你足够偏执，看什么才不是什么。
关于现代艺术，我们都受到点艺术野史的粗浅启蒙，似乎精神病和天才只一步之遥，比如梵高。但抛弃精神病的大众传播点，这是感受力错置的绝佳例子──风景画和静物画却投射着艺术家对于生命的理解。
如果一个人的视觉疯了，她的世界是什么样的？那几乎是艺术的先天奖赏。因小时的疾病，看世界蒙着一层圆点网纹，这种视觉经验成为草间弥生的强迫症症候──要把世界所有都转化为圆点世界。这不是简单的复制，实际上每件作品仍然需要直觉、想象力和童真之心这些艺术之核的无限转动。圆点墙是视觉平面的最直接展现。圆点空间装置制造了三维体验。圆点花和圆点南瓜是同种属之间充满喜悦的灵犀呼应。无限的圆点意味着分裂和繁殖，所以会自然有镜子的引入，来营造分裂和繁殖的异次元空间。看草间弥生常有一种原始的美感，就像知觉复古，感受到草履虫的二维世界。上面图中，那些像眼睛、细胞、单细胞生物、受精卵、海洋微生物、女阴的圆点衍生物加上像鞭毛、血管的条状物再加上海洋蓝和鲜血红，几乎展现了生命的无限秘密和美！
草间弥生既单纯又复杂，复杂到很难归类。
她将圆点视为生命基本元素，视为宇宙和自然的信号。“地球也不过只是百万个圆点中的一个。”用纯粹形式来体现宇宙秩序，这种野心近似于康定斯基和蒙德里安的抽象派。
她将形式赋予自我表现，这是不折不扣的表现主义。但她的表现主义缺乏德国式的痛苦，反而洋溢着童年的欢欣。
既抽象又表现，那应该是抽象表现主义了。但又不像波洛克那样，带有书法性的、意在笔端的挥洒。她显得不那么即兴，一个个圆点老老实实的描绘，只能说她丰富了抽象表现主义的范畴。
她的圆点的复制性和鲜艳的色彩，很具有流行艺术的波普特征。事实上，她在纽约的时期的确深刻地启发了安迪沃霍儿。
她利用圆点制造新空间的野心，让人想到契里柯孤绝的梦中广场。而无意识联想，这是超现实主义经典手法。
就不必说她的女性主义特征了。
而草间弥生的自我评价却是“精神病艺术家”。是的，最好的艺术动机，很少来自于批判和所谓“反映时代画卷”的济世，而往往是自我的疗伤。童年障碍，又一次成为造就艺术家的经典神话。上文的前三张图：
花卉与植物肯定来自于小女孩的童年经验，而爱丽丝奇境式的巨大花朵和缤纷斑点，也制造了类似于儿童游乐园式的迷幻空间。《来和我说话》，这是草间弥生最喜欢的一首歌：
拆掉幻想的大门
在沉痛的花朵中
现在从未终结
在通往天堂的路上
我的心沉陷于温柔
向天空呼喊
它蓝色的影子变得透明
拥抱虚幻的阴影
云升
眼泪的声音淹没玫瑰的色彩
我变成石头
不是在永恒的时间里
而是在蒸发的瞬间
就像某女说的，一辈子受困于童年，是一件多么幸福的事！
http://baike.baidu.com/view/740992.htm?fr=ala0_1
草间弥生
草间弥生
草间弥生
个人网站:http://www.yayoi-kusama.jp
个人简介
草间弥生（1929年3月22日－）被称为日本现存的经典艺术家，出生于日本长野县松本市，在1956年移居美国纽约市，并开始展露她占有领导地位的前卫艺术创作，现居住在日本东京。她曾与当代卓越的艺术家如安迪•沃荷（Andy Warhol）、克勒斯•欧登柏格（Claes Oldenburg）、贾斯培•琼斯（Jasper Johns）一起联展。
个人经历
1939年，草间弥生约10岁时，开始被大量幻觉困扰，因而时常有自杀企图。她留有当时为母亲画的铅笔画，画中就已充满了小圆点。
青年时就读日本长野县松本女子学校，毕业后到京都市立工艺美术学校（现在的京都市立铜驼工艺美术高等学校）主修日本画。
1954年，草间在绘画作品《花（D.S.P.S）》中曾有下列的表达：“某日我观看着红色桌布上的花纹，并开始在周围寻找是不是有同样的花纹，从天花板、窗户、墙壁到屋子里的各个角落，最后是我的身体、宇宙。在寻找的过程中，我感觉自己被磨灭、被无限大的时间与绝对的空间感不停旋转着，我变的渺小而且微不足道。刹那间，我领会到这不是只有我的想像、而且是现实中的状况、我被吓到了。于是我对于红色桌布和上面的花纹产生了强烈的恐惧，我认为它就像是咒语，正在剥夺我的生活，我冲上阶梯企图逃离，但阶级却在我脚下散开，于是我从上面跌下来，脚腕也扭伤了。”
1955年，与美国女画家乔治亚•欧姬芙通信，也寄自己的水彩画给她，并开始准备到美国。
1957年，移居美国，大部份时间都在纽约市创作，并开始有“前卫的女王”之称。
1960年代参加了许多反战运动。
1962年，在纽约市的绿艺廊参加了七人联展，展出作品是软雕塑，参展艺术家包括了安迪•沃荷、克勒斯•欧登柏格。
1965年，在纽约展出《无限镜屋》（Infinity Mirror Room），个人特色（白底红点、大面镜、艺术家站在中央）相当引起注意。
1966年，作品《无限的爱》（Love Forever），使用小圆灯泡和大面镜无限反射的空间装置，造成了相当视觉迷幻的作品，可说是草间的成名作。该年受邀参加了第33届威尼斯双年展。作品名为《那克索斯的花园》（Narcissus Garden），以1500个金色镜球（内部是塑胶制）装置组成，放在Italian Pavilion户外展场上，草间本人穿着金色和服端坐其中。并立牌告示一个金球价格美金2元。由于她作品中强调艺术应如超市可销售的概念，引起了不少的争议。
1968年，创作短片“消灭自己”（草间の自己消灭）得到了比利时第四届国际短片大奖与第二届日本联合树下电影节（アン・アーバー映画祭）的银奖。
1973年，返回日本。
1978年，在日本出版了第一本小说《曼哈顿企图自杀惯犯》（マンハッタン自杀未遂常习犯）
1983年，新小说《克里斯多夫男娼窟》（クリストファー男娼窟）获得日本第10届野性时代新人文学奖。（此书在1999年有中文翻译，由皇冠出版社出版，ISBN：9573316374）
1993年，代表日本参加威尼斯双年展。
1998年，参加了台北双年展。
1998年出版的草间弥生作品集，收录了她在1958年到1968年间的当代艺术作品1951年，青年时的绘画作品《彷徨的梦》（Zanmu）获得日本第二届创作奖入选。
2000年，参加澳大利亚雪梨2000双年展。作品是1965年的《无限镜屋》（此作品在1998年用同样的材质复制，原作已毁损。整个作品空间为250 x 500 x 500 厘米）
2001年，获得日本朝日赏Asahi Prize。
2002年，出版自传《无限的网》。
2003年，在日本与美国展开了长期的巡回回顾展。并获法国文化部颁发艺术及文学骑士勋章（Chevalier de l'ordre des arts et des lettres）
今日她住在东京的心理治疗所中，并以七十多岁的高龄继续从事艺术创作，她的工作室离治疗所不远，她曾经常对媒体表示“如果不是为了艺术，我应该很早就自杀了。”
特色
草间弥生的创作被评论家归类到相当多的艺术派别，包含了女权主义、极简主义、超现实主义、原生艺术（en:Art Brut）、普普艺术和抽象表现主义等。但在草间对自己的描述中，她仅是一位“精神病艺术家”（obsessive artist）。从她的作品中可以看到，她企图呈现的是一种自传式的、深入心理的、性取向的内容；草间所用的创作手法则有绘画、软雕塑、行动艺术与装置艺术等。
草间在相当早的创作时期就发展出了自己的特色，她善用高彩度对比的圆点花纹加上镜子，大量包覆各种物体的表面，如墙壁、地板、画布、家里会出现的物品（还有裸体的助理）。她自己的打扮往往也与作品有很高的同质性，并以短上衣和非常强烈的眼影妆闻名。草间曾说明这些视觉特色都来自于她的幻觉，她认为这些点组成了一面无限大的补捉网（Infinity nets），代表了她的生命。
此外，草间也发展出自己独特的“繁殖”特色，她有许多作品都以蕈类聚生的造型出现。在1990年代之后，草间加入了商业艺术的领域，与时装设计界合作，推出了带有浓厚圆点草间风格的服饰，并开始贩卖许多艺术商品。
草间也算是日本当代作家之一，自她在1978年回到日本定居之后，陆续出版了含自传在内有10几本书籍。除了前面生平提到的几本重要小说之外，还包括了《圣马克教堂的燃烧》（1985年）、《天地之间》（1988年）、《拱形吊灯》（1989年）、《樱冢的双重自杀》（1989年）、《如此之忧》（诗集，1989年）、《鳕鱼角的天使》（1990年）、《中央公园的毛地黄》（1991年）、《沼地迷失》（1992年）、《纽约故事》（1993年）、《蚂蚁的精神病院》（1993年）、《堇的强迫》（1998年）、《1969年的纽约》（1998年）
其它评论
草间弥生——这个名字听起来相当古典和优雅,但是任何看到其作品的人都会得到截然不同的感受----无穷无尽的圆点和条纹，艳丽的花朵重叠成海洋，混淆了真实空间的存在，只有阵阵眩晕和不知身处何处的迷惑。
重复性的圆点对于草间弥生与其被当作她与世界沟通的途径，不如说是一种治疗。1929年生于日本本土的草间是一个孤独的孩子，在幼年时代她就对现实生活视域中的圆点充满兴趣。镜子，圆点花纹，生物触角和尖端都是草间弥生后来作品中重复出现的母题，她对斑点的迷恋源自幼年患有神经性视听障碍，这场疾病使她看到的世界仿佛隔着一层斑点状的网。
于是她开始画这些斑点，它们像是细胞，种族，分子，那些生命最基本的元素，草间弥生把它们看成是来自宇宙的和自然的信号。“地球也不过只是百万个圆点中的一个。”她用它们来改变固有的形式感，在事物之间刻意地制造连续性，来营造一种无限延伸的空间，置身其中的观众无法确定真实世界与幻境之间的边界。
《来和我说话》是草间弥生最喜欢的一首歌，也许她忘记了在年轻在纽约玻璃残缺的房间里度过的冬天，虽然有20年的精神病史，虽然是当今最著名的前卫艺术家，但她仍然喜欢一个人在家，端坐在自己标志式的圆点做成的沙发上，面无表情弹着钢琴哼唱：
拆掉幻想的大门
在沉痛的花朵中
现在从未终结
在通往天堂的路上
我的心沉陷于温柔
向天空呼喊
它蓝色的影子变得透明
拥抱虚幻的阴影
云升
眼泪的声音淹没玫瑰的色彩
我变成石头
不是在永恒的时间里
而是在蒸发的瞬间
http://tieba.baidu.com/f?z=438001071&ct=335544320&lm=0&sc=0&rn=30&tn=baiduPostBrowser&word=%CE%A3%CF%D5%B5%C4%C6%A8&pn=0
草间弥生
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草间是一位「精神病艺术家」
从她的作品中可以看到
她企图呈现的是一种自传式的.深入心理的.性取向的内容
她善用高彩度对比的圆点花纹加上镜子
大量包覆各种物体的表面品
她自己的打扮往往也与作品有很高的同质性
并以短上衣和非常强烈的眼影妆闻名
草间曾说明这些视觉特色都来自于她的幻觉
她认为这些点组成了一面无限大的补捉网
代表了她的生命
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снеи◇‖草间弥生
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http://www.haibao.cn/article/79865.htm
http://www.haibao.cn/article/69570.htm
http://www.haibao.cn/article/84992.htm
草间弥生
香港海港城与日本艺术家草间弥生的合作已是第二次。
今年推出的是红底黑点的折叠购物袋。消费满1000 港币以上的顾客外加60元“香港公益金”捐款，就能在9月27日和28日换领此袋。
http://www.yahqq.com/master/view.asp?id=102
草间弥生作品特色:
雅客艺术 发布日期：2006-3-12 21:43:01 作者： 出处：
草间弥生的创作被评论家归类到相当多的艺术派别，包含了女权主义、极简主义、超现实主义、原生艺术(en:Art
Brut)、普普艺术和抽象表现主义等。但在草间对自己的描述中，她仅是一位“精神病艺术家”(obsessive
artist)。从她的作品中可以看到，她企图呈现的是一种自传式的、深入心理的、性取向的内容；草间所用的创作手法则有绘画、软雕塑、行动艺术与装置艺术等。
草间在相当早的创作时期就发展出了自己的特色，她善用高彩度对比的圆点花纹加上镜子，大量包覆各种物体的表面，如墙壁、地板、画布、家里会出现的物品、还有**的助理)。她自己的打扮往往也与作品有很高的同质性，并以短上衣和非常强烈的眼影妆闻名。草间曾说明这些视觉特色都来自于她的幻觉，她认为这些点组成了一面无限大的补捉网(Infinity
nets)，代表了她的生命。
此外，草间也发展出自己独特的“繁殖”特色，她有许多作品都以蕈类聚生的造型出现。在1990年代之后，草间加入了商业艺术的领域，与服装设计界合作，推出了带有浓厚圆点草间风格的服饰，并开始贩卖许多艺术商品。
草间也算是日本当代作家之一，自她在1978年回到日本定居之后，陆续出版了含自传在内有10几本书籍。除了前面生平提到的几本重要小说之外，还包括了《圣马克教堂的燃烧》(1985年)、《天地之间》(1988年)、《拱形吊灯》(1989年)、《樱冢的双重自杀》(1989年)、《如此之忧》(诗集，1989年)、《鳕鱼角的天使》(1990年)、《中央公园的毛地黄》(1991年)、《沼地迷失》(1992年)、《纽约故事》(1993年)、《蚂蚁的精神病院》(1993年)、《堇的强迫》(1998年)、《1969年的纽约》(1998年)
童年与青年时期
1939年，草间弥生约10岁时，开始被大量幻觉困扰，因而时常有自杀企图。她留有当时为母亲画的铅笔画，画中就已充满了小圆点。
青年时就读日本长野县松元女子学校，毕业后到京都市立工艺美术学校(现在的京都市立铜驼工艺美术高等学校)主修日本画。
1950年代到1970年代
1998年出版的草间弥髌芳章剂怂?958年到1968年间的当代艺术作品1951年，青年时的绘画作品《彷徨的梦》(Zanmu)获得日本第二届创作奖入选。
1954年，草间在绘画作品《花(D.S.P.S)》中曾有下列的表达：“某日我观看着红色桌布上的花纹，并开始在周围寻找是不是有同样的花纹，从天花板、窗户、墙壁到屋子里的各个角落，最后是我的身体、宇宙。在寻找的过程中，我感觉自己被磨灭、被无限大的时间与绝对的空间感不停旋转着，我变的渺小而且微不足道。刹那间，我领会到这不是只有我的想象、而且是现实中的状况、我被吓到了。于是我对于红色桌布和上面的花纹产生了强烈的恐惧，我认为它就像是咒语，正在剥夺我的生活，我冲上阶梯企图逃离，但阶级却在我脚下散开，于是我从上面跌下来，脚腕也扭伤了。”
1955年，与美国女画家格鲁吉亚•欧姬芙通信，也寄自己的水彩画给她，并开始准备到美国。
1957年，移居美国，大部份时间都在纽约市创作，并开始有“前卫的女王”之称。
1960年代参加了许多反战运动。
1962年，在纽约市的绿艺廊参加了七人联展，展出作品是软雕塑，参展艺术家包括了安迪•沃荷、克勒斯•欧登博格。
1965年，在纽约展出《无限镜屋》(Infinity Mirror Room)，个人特色(白底红点、大面镜、艺术家站在中央)相当引起注意。
1966年，作品《无限的爱》(Love
Forever)，使用小圆灯泡和大面镜无限反射的空间装置，造成了相当视觉迷幻的作品，可说是草间的成名作。该年受邀参加了第33届威尼斯双年展。作品名为《那克索斯的花园》(Narcissus
Garden)，以1500个金色镜球(内部是塑胶制)装置组成，放在Italian
Pavilion户外展场上，草间本人穿着金色和服端坐其中。并立牌告示一个金球价格美金2元。由于她作品中强调艺术应如超市可销售的概念，引起了不少的争议。
1968年，创作短片“消灭自己”(草间の自己消灭)得到了比利时第四届国际短片大奖与第二届日本联合树下电影节(アン・アーバー映画祭)的银奖。
1973年，返回日本。
1978年，在日本出版了第一本小说《曼哈顿企图自杀惯犯》(マンハッタン自杀未遂常习犯)
1980年代之后
1983年，新小说《克里斯托弗男娼窟》(クリストファー男娼窟)获得日本第10届野性时代新人文学奖。(此书在1999年有中文翻译，由皇冠出版社出版，ISBN：9573316374)
1993年，代表日本参加威尼斯双年展。
1998年，参加了台北双年展。
2000年，参加澳洲雪梨2000双年展。作品是1965年的《无限镜屋》(此作品在1998年用同样的材质复制，原作已毁损。整个作品空间为250
x 500 x 500公分)
2001年，获得日本朝日赏Asahi Prize。
2002年，出版自传《无限的网》。
2003年，在日本与美国展开了长期的巡回回顾展。并获法国文化部颁发艺术及文学部级骑士勋章(Chevalier de l'ordre des
arts et des lettres)
今日她住在东京的心理治疗所中，并以七十多岁的高龄继续从事艺术创作，她的工作室离治疗所不远，她曾经常对媒体表示“如果不是为了艺术，我应该很早就自杀了。”
激进的意念--Alexandra Munroe
国际上对于草间弥生作品之认定--涵盖五十年来的水彩、拼贴、绘画、雕塑、环境艺术及活动--是最近几年当代艺术史上的事情。在长期被认为是精神异常的放逐者之后，草间弥生现在被视为日本现存最伟大的艺术家。1966年，她以一件户外装置作品参加第33届威尼斯双年展：1500个玻璃球铺设在草坪上，她光脚穿着一套金色的和服，朝向空中抛球。日本当局认为她破坏了这项展览。然而到了1993年，日本政府在威尼斯双年展中设立一个主题馆，以表示对她的尊崇。于是，她成为第一位单独代表日本参加威尼斯双年展的女性艺术家。想要颠覆长久以来食古不化之日本艺术制度的年轻一辈，如今视草间为典范。她大胆的表现，总是传达出存在于其激进意念中的浪漫精神。
那些仍然记得她在曼哈顿所呈现之前卫艺术的人们，视草间的重返国际舞台为一项奇迹式的复活。许多人认为，她在1972年迁居回日本后便失踪了。或许正因为她是一位艺术家中的艺术家，草间经常逃避现实世界。尽管享有名气(1968年时，她获得的媒体注视远超过安迪‧沃荷)，草间离开纽约的评论家、经纪人、及收藏家回到东京，于1977年自愿住进精神疗养院。
纽约时报评论家Roberta Smith曾经如此评论草间后期作品：
太多的画作饱受完美技巧之苦；各种圆点图案鲜明而且赋与一种愉悦的视觉感受，但是一般的印象是过于机械化…草间女士早期作品中，色彩、符号、及间隔的波浪状变化是令人怀念的。
Smith女士并未提到草间近作中，精心创造的纷乱图案及蓬勃的生气。那些以压克力颜料完成的作品，第一眼看来并不如她早期作品般具「画相」，然而它们尺寸之大以及极端重复、缠绕的构图，并未稍减热情。同时，断言她的技巧呈现「机械化」是错误的。构成丛林般幻觉的那些无止境的圆点，是先以铅笔打底，再亲手一笔一笔填满的。草间近作中鲜艳的平面图案可能是诡诈的；时间一久，它们即可将你催眠进入她迷人的艺术里--人们所熟悉的黑暗、晕眩深渊之中。透过赋与她荒诞的幻想一个明确的形式，草间再一次证明，创造力足以战胜自我的退化。
以波点闻名的日本波普艺术家草间弥生(Yayoi Kusama)最近在米兰PAC设展，主要展示了她在近十年里的绘画、雕塑和装置作品，也精选了她上世纪五六十年代的一些绘画作品。她将这个展览的命名为“我要长生不老”(I want to live forever)。许多人将草间弥生的作品简单的定义为“幻觉”，但其实却是对人的潜意识里的感知的精确描绘。
草间弥生——衷爱圆点的时尚老婆婆
[来 源] 视觉中国专稿[作 者] vivid[发表时间] 2007/04/05 12:12:31
1
红点、绿点、黄点，是草间弥生（Yayoi Kusama）的创作标志，这３色圆点同时代表了太阳、地球、月亮。这些重复性的圆点被她当作与世界沟通的途径。她所善用的高彩度对比圆点花纹，无时无刻不出现在在她的绘画、软雕塑、行动艺术与装置艺术作品中。
“地球也不过只是百万个圆点中的一个”，她用它们来改变固有的形式感，在事物之间刻意地制造连续性，来营造一种无限延伸的空间，置身其中的观众无法确定真实世界与幻境之间的边界。草间曾说这些视觉特色都来自于她的幻觉，她认为这些点组成了一面无限大的补捉网（infinity nets），代表了她的生命。
她是第一位单独代表日本参加威尼斯双年展的女性艺术家。她大胆的表现，总是传达出存在于其激进意念中的浪漫精神。如今想要颠覆长久以来食古不化之日本艺术制度的年轻一辈，都视草间为典范。
自1990年后，草间加入了商业艺术的领域，与服装设计界合作，推出了带有浓厚圆点草间风格的服饰，并开始拓展包括创意家具、玩具、生活用品等在内的流行类商品。
http://hi.baidu.com/fangzhenning/blog/item/e5397f163fd0124221a4e9d9.html
草间弥生的艺术手机万人爱
2009-04-08 13:42
草间弥生的艺术手机万人爱，太可爱了,昨天发卖的，Art Editions YAYOI KUSAMA